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METAL CLÁSICO

Wed, 01 Feb 2012 01:00:00 EST

metal clásico es también conocido como el heavy metal tradicional. Es el género seminal del rock pesado: el heavy metal antes de evolucionar y ramificarse en tantos estilos y subgéneros. Es el primer paso que da el hard rock en su proceso de endurecimiento.

Los ejemplos más recurrentes del metal clásico son Judas Priest y Iron Maiden. Pero también se incluye a los que, desde el hard rock, llegaron para inaugurar el género: Deep Purple, Rainbow, Blue Öyster Cult, Alice Cooper y, principalmente, Black Sabbath (se dice que la banda de Tony Iommi, Geezer Butler, Bill Ward y Ozzy Osbourne definió al metal).

El metal clásico no es un subgénero o un derivado del metal, sino su género principal, su origen. Aquí se alinean las bandas originarias del heavy metal, así como también aquellas que reproducen sus características: ritmos pesados, entre medios y rápidos, con bajos robustos, riffs crujientes, largos solos de guitarra y voces que, por lo general, rondan los registros altos.

El heavy metal tradicional cobra forma a fines de los 60, cuando una serie de bandas fueron incrementando la potencia de su música: Jethro Tull, Cream, Deep Purple, Led Zeppelin, UFO, Whisbone Ash, Thin Lizzy y, en especial, Black Sabbath.

Con su sonido pesado y su estética tenebrosa, Black Sabbath marcó las principales pautas del heavy metal. Por algo se los señala como los pioneros del género. A mediados de los años 70, el género quedó opacado por el surgimiento del punk, pero también se fortaleció y se redefinió con un nuevo movimiento: la Nueva Ola del Heavy Metal Británico (o NWOBHM), encabezada por Iron Maiden, Judas Priest, Saxon y Def Leppard (en sus inicios).

De esta “nueva ola”, además, surgió un grupo fundamental: Motörhead. Este trío, comandado por el mítico Lenny Kilmister, aceleró su pulso para darle vida al speed metal. Bajo esta influencia británica, en los Estados Unidos, se forjaría una escena detonante: el thrash metal (Metallica, Slayer, Exodus, Megadeth, Anthrax).

Algunas bandas asociadas al hard rock, como Van Halen, AC/DC, Whitesnake y Scorpions, endurecieron su sonido y se pusieron en sintonía con el suceso metalero. Un proceso parecido fue el que mostró Alice Cooper, cantante y compositor que además resultó fundamental para nutrir la estética visual del heavy metal.

Mención aparte merece Ronnie James Dio, el vocalista que eligió Black Sabbath en 1979 para reemplazar a Ozzy (el cantante por entonces lidiaba con serios problemas de abuso de drogas, aunque pronto resurgiría como solista con la ayuda del guitarrista Randy Rhoads). Dio, además, venía de darle cierta dosis de épica medieval al género con Rainbow (el grupo de Ritchie Blackmore, de Deep Purple); luego fundó su propia banda, Dio, y formó parte de Heaven and Hell.

Instrumentación: guitarra, bajo, batería, voz.
Orígenes culturales: principios de los 70 en Gran Bretaña.
Fuentes: hard rock, rock psicodélico, rock progresivo, rock’n’roll, blues, música clásica.
Subgéneros y derivados: black metal, metal cristiano, death metal‎, deathcore, doom metal, funk metal, glam metal (hair metal), metal alternativo, metal gótico, nu metal, post-metal‎, power metal, punk metal, rap metal, speed metal, stoner rock, thrash metal.]]>

GLAM ROCK

Fri, 27 Jan 2012 01:00:00 EST

glam rock, al que también se lo conoce como glitter rock, es un estilo surgido en Gran Bretaña a principios de los años 70. Su gran rasgo, sin dudas, fue la estética visual: ropa y cortes de pelo extravagantes, maquillaje, botas con plataforma y purpurina (exceso de brillo: de ahí lo de “glitter”).

El glam rock, cuyo nombre viene de la palabra “glamour”, tuvo su período de esplendor entre 1971 y 1974. Dicha estética iba acompañada de cierta androginia, la cual aportó nuevos puntos de vista acerca de los roles de género. Sus artistas más representativos eran Marc Bolan (T. Rex), David Bowie, Roxy Music y Gary Glitter (todos británicos). Mientras que, en los Estados Unidos, estaban los New York Dolls y Lou Reed.

El glam rock surgió en una época en la que el rock psicodélico derivó hacia algunos estilos que abusaban del virtuosismo y los largos desarrollos en las canciones, como el rock progresivo, en perjuicio de la frescura que se podía encontrar en el viejo rock'n'roll. Es lo que buscaban artistas como Marc Bolan y David Bowie: recuperar esa espontaneidad perdida.

La estética fue tan determinante como la música en el glam. Y la clave de esa estética residía en una actitud descarada y la provocadora. Fue parte de una época de excesos, como era la década del 70. Sólo en ese contexto podía darse semejante extravagancia: trajes futuristas brillantes, botas con plataforma, peinados imposibles y kilos de maquillaje y purpurina.

Marc Bolan, el líder de T. Rex, fue uno de los primeros en darle uso a los estampados de leopardo, las chisteras, las boas de pluma y la purpurina. Mientras que David Bowie se inspiró en las travestis neoyorquinas del entorno de Andy Warhol y en las performances del teatro de vanguardia de Lindsay Kemp.

El término glitter rock, que también se refiere al glam rock, hace honor a Gary Glitter, quien obtuvo un enorme éxito en 1971 con “Rock’n’roll”, una canción en la que hace referencia al costado más festivo y comercial del glam rock. Pero el verdadero pionero del glam fue Marc Bolan: fue é quien sentó las bases con su boogie rock pegadizo, inspirado en melodías bailables y potentes riffs de guitarra, con letras hedonistas y una forma de cantar premeditadamente sexy.

Bajo la sombra del sonido creado por T. Rex, entonces, surgieron muchos grupos y artistas: Slade, Gary Glitter, Sweet, Mott The Hopple, Cockney Rebel y Suzi Quatro. Pocos sobrevivieron al declive del movimiento. Vale citar también la labor de los productores y compositores Nikky Chinn y Mike Chapman, auténticos reyes Midas del glam rock.

La mayor estrella del glam rock fue David Bowie, en especial cuando mutó en Ziggy Stardust, un personaje de su invención cuyas vicisitudes cuenta en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, un álbum que le dio al glam grandes dosis de dramatismo (por algo es el disco clave del movimiento, además de uno de los mejores de la historia del rock). Una mención aparte merece Mick Ronson, guitarrista de la banda de Bowie, que contribuyó mucho al sonido glam con su forma hipnótica de tocar.

David Bowie también se ocupó de producir a otros artistas que sucumbieron ante el rímel y las lentejuelas, como fue el caso de Lou Reed, justo cuando venía de disolver su mítico grupo The Velvet Underground. En ese contexto salieron algunos de los mejores discos de su carrera: Transformer y Berlin.

Por otra parte, estaba Roxy Music, banda en la que se destacaban el cantante Bryan Ferry y el tecladista Brian Eno. Hacían un rock de vanguardia en el que cabían las baladas y la experimentación electrónica. Eno dejó el grupo después de dos discos y se aventuró como solista con Here Comes The Warm Jets, otra obra clave del glam rock.

Este movimiento permitió rarezas como las óperas glam (la ópera rock basada en el espíritu glam, algo con lo que coqueteó el grupo Queen). Y, en especial, fue determinante para el shock rock: una combinación de glam con hard rock (el paso previo al glam metal), que retoma la teatralidad para darle vida al terror lúdico; con Alice Cooper, Kiss, W.A.S.P. y Ozzy Osbourne como claros referentes.

Instrumentación: guitarra, bajo, batería, sintetizador, saxofón.
Orígenes culturales: primera mitad de los años 70 en Gran Bretaña.
Fuentes: rock’n’roll, brit rock, rock psicodélico, garage rock, proto-punk.
Subgéneros y derivados: heavy metal, punk rock, new wave, rock gótico, synth pop, new romantic, hair metal, rock industrial, pop metal.
Fusiones: shock rock, operas glam, glam metal, garage rock, punk rock.]]>

PROG ROCK

Fri, 27 Jan 2012 01:00:00 EST

rock progresivo (o prog rock) nació a fines de los años 60 y floreció durante la primera mitad de los 70. La palabra “progresivo” alude a dos rasgos que definieron inicialmente al estilo: el carácter innovador (concebido como un paso adelante en el progreso de la música rock) y el cambio de dinámicas (progresiones graduales: de una sonoridad bucólica a otra urbana, de un tiempo lento a otro más tenso o acelerado).

El rock progresivo buscó traspasar las fronteras del rock. Y para eso fue más allá de la estructura de canción basada en estrofa y estribillo. Así, en una misma canción, se combinaban distintos climas, texturas y arreglos musicales. Abundan los temas instrumentales y divididos en partes, los discos conceptuales y las letras con temáticas inexploradas por el rock.

La primera camada de grupos progresivos deriva de la apertura psicodélica de mediados de los 60. Algunos, como Pink Floyd y Soft Machine, incluso comenzaron tocando rock psicodélico. Otros nombres importantes que le dieron vida al movimiento son King Crimson, Yes, Genesis, Jethro Tull, Rush, Gong, Camel, Caravan, Supertramp, Van der Graaf Generator y Emerson, Lake & Palmer.

El rock progresivo tuvo precursores concretos: discos como Freak Out! (The Mothers of Invention, 1966) y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (The Beatles, 1967), por el recurso de música oriental e instrumentos inusuales para el rock; la ópera rock “A Quick One While He’s Away” (The Who, 1966), por sus tintes épicos; las influencias de Ravel en “Beck’s Bolero” (Jeff Beck, 1967) y de Bach en “A Whiter Shade of Pale” (Procol Harum, 1967); las experimentaciones con el jazz de Soft Machine y las orquestaciones montadas por bandas como Deep Purple y The Nice.

El gran apogeo progresivo se dio a mediados de los 70. Luego algunos grupos entraron en recesos y cambiaron sus formaciones (Genesis perdió la voz de Peter Gabriel, y King Crimson alternó miembros alrededor de su guitarrista Robert Fripp). Muchos sostienen que el ocaso del movimiento se debe a los excesos técnicos de ciertas bandas (se tornaron cada vez más pretenciosas, y eso le dio un sentido negativo al virtuosismo). La gente quería volver a escuchar algo simple y contundente, y de eso se ocuparon el punk rock y la música disco.

En la década del 80, algunos sobrevivientes de los 70 incorporaron elementos de la new wave. King Crimson, con Adrian Belew en las voces, se acercó a la propuesta de bandas como Talking Heads. Mientras que Genesis, ahora con Phil Collins al frente, se volvió decididamente más comercial.

También se formaron supergrupos, como Asia, con ex integrantes de King Crimson, Yes y Emerson, Lake & Palmer. A partir de los 90, el rock progresivo gozó de un fuerte resurgimiento. Así aparecieron bandas como The Flower Kings, Porcupine Tree, White Willow, Dream Theater y Glass Hammer, entre otras.

También, por esa misma época, se formó una movida de metal progresivo, con grupos como Queensrÿche y Fates Warning, además de los ya citados Dream Theater. Tool, por su parte, no sólo expresó su admiración por King Crimson, sino que además los invitaron para irse de gira en 2001.

Grupos como The Mars Volta son un buen ejemplo del nuevo rock progresivo, que incorpora elementos del jazz, el funk, el punk, la salsa y la música experimental. Otras bandas exitosas, como Smashing Pumpkins, Radiohead, Thirty Seconds to Mars y Muse, han sido citadas como herederas del manto del rock progresivo.

Instrumentación: guitarra, bajo, batería, sintetizador, mellotrón, piano, órgano.
Orígenes culturales: fines de los años 60 y principios de los 70 en Gran Bretaña.
Fuentes: rock psicodélico, jazz, música clásica.
Subgéneros y derivados: rock sinfónico, art rock, krautrock, rock espacial, rock experimental, neo-prog, prog italiano, rock andaluz, jazz rock, math rock, electrónica progresiva.
Fusiones: metal progresivo, folk progresivo, post-rock.]]>

ARENA ROCK

Fri, 27 Jan 2012 01:00:00 EST

arena rock se refiere al rock de estadios (por esto también se le dice “stadium rock” o “anthem rock”). Se empezó a usar a mediados de los años 70, para dar cuenta del fenómeno que impulsaron ciertas bandas provenientes del hard rock, el rock progresivo y el heavy metal. Esta categoría, principalmente, reúne nombres como Queen, Journey, Boston, Foreigner y Styx, entre otros.

El arena rock se caracteriza por su orientación comercial, con un sonido que supo calzar tan bien en las radios como en los grandes estadios. Canciones con una producción cuidada, que van del hard rock a las baladas poderosas, a menudo dotadas de estribillos gloriosos, casi épicos, como si fueran himnos (de ahí lo de “anthem rock”). Temas como “We Are the Champions” y “We Will Rock You”, ambos de Queen, representan muy bien esta propuesta.

Cuesta definir al arena rock sólo por su sonido, ya que su presentación en vivo es determinante: se trata de una música compuesta y diseñada para ser interpretada en estadios y conciertos multitudinarios. La puesta en escena, además, suele ofrecer juegos de luces, humo y grandes pantallas.

El arena rock es más pesado que el rock convencional, pero menos duro y más comercial que el hard rock y el heavy metal. Muchas canciones de este estilo suelen formar parte de discos conceptuales, una característica heredada del rock progresivo.

Si bien varias bandas de los 60 daban conciertos multitudinarios alrededor del mundo (The Beatles, The Rolling Stones y The Who), el grupo que le dio forma y vida al arena rock es, sin dudas, Led Zeppelin. Ese modelo, propio de la segunda mitad de los 70, es el que en los siguieron Styx, Boston, Foreigner, Journey, Queen, Peter Frampton y Genesis (durante la etapa de Phil Collins).

El arena rock tuvo su máximo esplendor en los años 80. En esa época, además de los precursores, otras bandas como Kiss, Aerosmith, AC/DC, Cheap Trick, Kansas y ZZ Top, entre otros, se acoplaron a este modelo de espectáculo multitudinario. En los 90, con la irrupción del rock alternativo, el arena rock comenzó a perder popularidad.

Instrumentación: voz, guitarra, bajo, batería, teclados.
Orígenes culturales: segunda mitad de los 70, en Estados Unidos y Gran Bretaña.
Fuentes: rock’n’roll, hard rock, rock progresivo, pop rock.
Subgéneros y derivados: soft rock, hair metal, pop metal.]]>

The Rapture: de vuelta a las pistas

Mon, 23 Jan 2012 01:00:00 EST

Rapture fue una de las gratas sorpresas del año pasado. Y ahora que están de nuevo en la ruta, nada ni nadie los detiene. En eso están: girando y tocando, con un pie en el rock alucinado y otro en la pista de baile.

Irrumpieron en 2002, con un hit imparable: “House of Jealous Lovers”. Y así, luego de sacar un álbum cargado de éxitos (Echoes, 2003), encabezaron el ala bailable del revival del post punk, a la par de grupos como LCD Soundsystem.

Pasaron cinco años de su anterior disco (Pieces of the People We Love, 2006). Es que, antes de volver, Luke Jenner y los suyos debieron superar dramas personales y problemas de personal (de hecho, perdieron en el camino a Matt Safer, bajista y segundo compositor). Pero nada los detuvo. Y así, finalmente, sacaron In The Grace Of Your Love, un verdadero milagro y, ante todo, un gran álbum.

Ahora, con el mismo efecto sorpresa de su vuelta, The Rapture aterriza en Sudamérica, donde dará varios conciertos en Brasil (comparten cartel con CSS) y un show único en Buenos Aires (el próximo lunes 30 de enero, a las 20 horas, en Groove, Av. Santa Fe 4389).

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BRIT ROCK

Thu, 22 Dec 2011 01:00:00 EST

rock británico es el resultado de un intercambio de ida y vuelta. Se gestó a partir del rock’n’roll y del rhythm and blues de los Estados Unidos. Pero, una vez en Gran Bretaña, adaptó esas influencias para una audiencia mucho mayor. Así, con su toque “brit”, le dio un nuevo empuje y exportó esa misma música de vuelta a los Estados Unidos. Este fenómeno se llamó Invasión Británica.

La invasión británica fue encabezada por bandas de rock surgidas en Inglaterra a comienzos de los 60: The Beatles, The Rolling Stones, The Who, The Kinks y The Animals, entre otros. Esta invasión, que está relacionada con la beatlemanía, se centró en los Estado Unidos. Pero su expansión fue mundial: de ahí su gran logro.

Muchas discografías han intentado recrear este fenómeno musical, pero nunca se pudo. Fue un momento único en la historia del rock: cruces trascendentes, viajes de ida y de vuelta. De Elvis Presley y Chuck Berry a los Rolling Stones, y de ahí de vuelta a Gram Parsons y Creedence Clearwater Revival. De Buddy Holly y Roy Orbison a los Beatles, y de ahí de vuelta a los Beach Boys y The Mamas and the Papas.

El festival de Woodstock, que se hizo en los Estados Unidos en 1969, congregó a miles de espectadores que, justamente, querían evidenciar este fenómeno. De paso, bandas como The Who y The Jimi Hendrix Experience aprovecharon el festival para afianzarse en el territorio estadounidense.

The Beatles fue, sin dudas, el gran disparador y propulsor de la Invasión Británica (de hecho, se dice que la aparición de los fab four en el Ed Sullivan Show fue el comienzo de todo). El grupo integrado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr tuvo un éxito colosal en los Estados Unidos, lo que hizo que otros lo siguieran, como los Rolling Stones, comandados por el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, supuestos “rivales” de los de Liverpool.

Con el correr de los años y las tendencias, el fenómeno de la Invasión Británica derivó en el garage rock, el rock psicodélico (acid rock), el rock progresivo, el hard rock y el glam rock (glitter rock). Todos estos géneros y subgéneros, a la vez, abrieron las puertas para el surgimiento de dos nuevas fuerzas: el heavy metal y el punk rock.

En los 80 se destapó el indie británico, con The Smiths al frente. Y en los 90 fue el turno de la ola brit pop, encabezada por Blur y Oasis, que pusieron en escena un antagonismo similar al de Beatles vs. Stones. Ambas movidas se inspiraron en las lecciones del punk rock y, musicalmente, se alinearon en la tradición británica inaugurada en la década del 60.

Instrumentación: guitarra, bajo, batería, teclados.
Orígenes culturales: toda la década del 60, entre Estados Unidos y Gran Bretaña.
Fuentes: rock’n’roll, rhythm and blues, blues, rockabilly, folk.
Subgéneros y derivados: garage rock, rock psicodélico, rock progresivo, hard rock, glam rock, power pop.]]>

HARD ROCK

Thu, 22 Dec 2011 01:00:00 EST

hard rock. Este género, derivado del rock’n’roll y del blues rock, cobró forma a fines de los 60, con la aparición de bandas como Led Zeppelin, Deep Purple, Blue Cheer, Black Sabbath y Thin Lizzy.

De alguna manera, el hard rock fue el punto culminante de un recorrido que empezó con el rock’n’roll clásico, y siguió con el blues rock, el rock psicodélico y el garage rock. Por eso, el término “hard rock” suele usarse para englobar a todos los subgéneros y derivados del rock más rudo y pesado.

El hard rock se distingue por el peso de la base y el poder de la guitarra. Para algunos, históricamente, el primer riff de hard rock fue el de “You Really Got Me”, un clásico de The Kinks. Otros referentes relevantes fueron “Born to Be Wild” de Steppenwolf y “Helter Skelter” de The Beatles.

Ejemplos concretos abundan: sólo basta apilar los primeros discos de Led Zeppelin y Deep Purple. Pero también se puede incluir Live at Leeds de The Who. Y los dos primeros trabajos de Queen. Luego, a mediados de los 70, aparecieron bandas como AC/DC, Aerosmith, Kiss, Van Halen, Alice Cooper, Scorpions y Whitesnake.

Claro que esto no se detuvo: en los años 80, primero con Bon Jovi y luego con Guns N' Roses al frente, el hard rock siguió ocupando puestos elevados en los rankings de ventas. Así, con el correr de los años, el género terminó de definirse en su totalidad.

El hard rock tuvo su momento de esplendor durante los 70, con la consolidación de Led Zeppelin y Deep Purple, y el ascenso de bandas como AC/DC y Aerosmith. Pero también tuvo su momento de ocaso: 1980. Ese año murieron John Bonham (el baterista de Led Zeppelin, que se disolvió luego) y Bon Scott (el cantante de AC/DC, que sería reemplazado por Brian Johnson) .

También en los 70, desde la matriz del hard rock y bajo la influencia de Black Sabbath, surgió un nuevo género: el heavy metal. El heavy metal terminaría de divulgarse en la década del 80, con bandas clásicas como Judas Priest y Iron Maiden. Pero también con un estilo tan exitoso como distintivo: el glam metal.

El fanatismo y el éxito acompañaron a los grandes exponentes del glam metal: Motley Crue, Ratt, Bon Jovi, Europe, Poison y Guns ‘N Roses. A principios de los 90, si bien bandas como Guns ‘N Roses y Skid Row alcanzan su pico de popularidad, surge un nuevo movimiento en propone otra lectura del hard rock: el grunge, con una fuerte escena concentrada en Seattle (Pearl Jam, Alice in Chains, Soundgarden) .

Instrumentación: guitarra, bajo, batería, teclados.
Orígenes culturales: fines de los años 60 en Gran Bretaña.
Fuentes: rock’n’roll, blues rock, rock psicodélico, garage rock.
Subgéneros y derivados: sleaze rock, arena rock, grunge, post grunge, heavy metal, rock melódico, glam metal.
Fusiones: garage rock, punk rock.]]>

GARAGE Y PSICODELIA

Thu, 22 Dec 2011 01:00:00 EST

rock psicodélico y el garage rock son estilos característicos de mediados y fines de los 60, ambos derivados de la Invasión Británica (un fenómeno que puso en el ojo de la tormenta a las más influyentes bandas inglesas: The Rolling Stones, The Beatles, The Kinks y The Who.

El garage rock se entiende como una forma sencilla y cruda del rock’n’roll. Su origen se localiza a mediados de los 60 (entre 1963 y 1967). Pero fue recién en los años 70 que se lo reconoció como categoría, para señalar, en retrospectiva, a las primeras encarnaciones del punk rock (por eso el garage rock deriva en el proto-punk).

Si bien el garage rock se inspiró en ciertos grupos británicos (The Kinks, The Who, The Animals, The Small Faces y The Rolling Stones), la mayor afluencia de bandas surgió en los Estados Unidos: The Kingsmen, The Sonics, The Trashmen, The Beau Brummels y Tommy James and the Shondells. Pero la ola garagera también llegó a Canadá con The Haunted. Y aportó un gran exponente inglés: The Troggs.

El rock psicodélico, por su lado, se gestó y desarrolló en la segunda mitad de los 60. Se trata de un rock exploratorio, que busca evocar la experiencia psicodélica de la época, usualmente asociada con el uso de sustancias psicoactivas como la marihuana, la mescalina y, en especial, el LSD (por algo también se le dice acid rock).

Dentro de la historia del rock, la psicodelia funciona como un puente que une al blues rock con el rock progresivo y el hard rock, así como también alimenta las fusiones del rock con géneros como el free jazz o la world music (en especial, la música de la India).

Algunos de los nombres más importantes del rock psicodélico fueron Pink Floyd, The Doors, Jefferson Airplane, The Mothers of Invention, The Byrds, Donovan, Grateful Dead, Cream, The Jimi Hendrix Experience, The Soft Machine y 13th Floor Elevators (esta banda, precisamente, también está relacionada al garage rock). Claro que a esta lista también hay que sumar a The Beatles, The Rolling Stones y The Beach Boys, que tuvieron un fuerte período psicodélico, en clara sintonía con el movimiento hippie.

Hay muchos discos y temas que sirven para ejemplificar lo que fue el rock psicodélico. Aquí van algunos: The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd (por entonces comandados por el genio loco de Syd Barrett); Revolver y Sgt. Pepper de los Beatles (con canciones como “Tomorrow Never Knows”, “Yellow Submarine” y “Lucy in the Sky with Diamonds”, entre otras); Between the Buttons y, en especial, Their Satanic Majesties Request de los Rolling Stones; Pet Sounds y Smiley Smile de los Beach Boys; y los cuatro primeros discos de los Doors (con Jim Morrison y su gran expresividad, tan atractiva como chamánica).

El rock psicodélico alcanzó su pico entre 1967 y 1968, y luego decayó para dar paso a otras corrientes musicales que ganaron fuerza en los 70: el rock progresivo, el rock sinfónico, el glam rock y el krautrock (escena alemana que reunía a grupos como Neu, Kraftwerk, Can, Faust, Tangerine Dream y Amon Düül).

Varias bandas siguieron enganchadas en esta corriente, lo que en los años 70 se llamó space rock (con Pink Floyd como paradigma). Y algunos exponentes del post punk, como The Soft Boys, The Teardrop Explodes, Echo and the Bunnymen y Television Personalities, sacaron a la luz una clara influencia del rock psicodélico.

En las décadas siguientes, sobre todo a fines de los 80 y principios de los 90, las influencias psicodélicas se manifestaron en el madchester y el acid house (Happy Mondays, Stone Roses, Inspiral Carpets y Primal Scream), en el dream pop (Cocteau Twins, The Sundays y A.R. Kane), en una nueva ola de space rock (Spacemen 3, Spiritualized, Stereolab) y el shoegaze (My Bloody Valentine, Slowdive).

El verdadero revival psicodélico tendría trascendencia a fines de los 90, con bandas como Kula Shaker, Ozric Tentacles, The Apples in Stereo, Neutral Milk Hotel, The Ladybug Transistor y The Olivia Tremor Control. También vale incluir a Flaming Lips y Mercury Rev, que arrastraban un pasado más cercano al noise.

El garage rock también tuvo su gran revival, a principios de 2000, con grupos como The Strokes, The Hives, The White Stripes y Black Rebel Motorcycle Club; a las que luego se fueron sumando The Von Bondies, The Black Keys, Yeah Yeah Yeahs, Kings of Leon, The Libertines, Franz Ferdinand y Arctic Monkeys, entre otros.

Instrumentación: guitarra, bajo, batería, teclados (ocasionalmente: sitar, melotrón, theremín, órgano Hammond, órgano Farfisa, distorsiones y efectos sonoros como el fuzz y el wah-wah).
Orígenes culturales: toda la década del 60 en Estados Unidos y Gran Bretaña.
Fuentes: rock’n’roll, rockabilly, rhythm and blues, soul, blues, surf rock, folk rock, jazz, blues rock.
Subgéneros y derivados: proto-punk, punk rock, garage rock revival, power pop, hard rock, glam rock, krautrock, acid punk, garage punk, stoner rock.
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SUNSHINE POP

Thu, 22 Dec 2011 01:00:00 EST

pop. Así surgieron muchos grupos de voces, mixtos, de hombres y de mujeres (girl groups). Esa tradición, a mediados de los 60, derivó en subgéneros como el bubblegum pop (The Monkees) y, en especial, el sunshine pop.

El sunshine pop, como no podía ser de otra manera, nació en la Costa Oeste, de Los Angeles a San Francisco. Se caracterizó por sus ricas armonías vocales, con una producción y arreglos sofisticados. Claro que no hay que olvidarse del espíritu soleado.

Los grupos más reconocidos de esta oleada fueron The Mamas & the Papas y The Beach Boys. Pero también hay que mencionar a The Yellow Balloon, The Association, The Cowsills y The 5th Dimension. Para algunos, el sunshine pop fue una forma de escapar de la agitación política y social de la época (artistas como Bob Dylan o Pete Seeger, en cambio, usaban su música para difundir ideologías política).

Como buen producto pop, el sunshine pop apelaba a las armonías claras y de fácil escucha. Su sonido, en general, era alegre, fresco y animado. Por esto se encuentra muy ligado al bubblegum pop, el soft rock y el pop psicodélico.

A principios de la década de 1970, su popularidad comenzó a disminuir. Eran tiempos en que el hard rock cautivaba a las grandes audiencias y la música de cantautor se convertía en productos para las masas. A fines de los años 90, sin embargo, el sunshine pop tuvo su revival, sobre todo por el interés que la escena indie pop empezó a manifestar por los Beach Boys y su líder Brian Wilson.

Instrumentación: guitarra, bajo, batería, teclados, sección de cuerdas, sección de vientos y otras orquestaciones.
Orígenes culturales: mediados de la década del 60 en Estados Unidos.
Fuentes: rock’n’roll, pop, música surf, música clásica, rhythm and blues, folk.
Subgéneros y derivados: pop psicodélico, power pop, pop rock.]]>

ROCKABILLY

Tue, 20 Dec 2011 01:00:00 EST

rockabilly es la primera forma que adquiere el rock’n’roll. Y por eso, tiempo después, se lo pasó a identificar como el primero de sus subgéneros. Nació en la década de 1950, en el Sur de los Estados Unidos. Y su nombre viene de la unión de las palabras “rock” y “hillbilly” (así se le decía antes a la música country).

Por esto, se entiende, el country fue determinante para el rock’n’roll. Otras influencias del rockabilly incluyen al western swing, el blues, el rhythm and blues, el boogie woogie y el folk de los Apalaches. Su gran auge fue en los 50, y empezó a decaer en los 60. Luego, en los 80, gozó de un revival de popularidad que llega hasta la actualidad (el rockabilly ya es una subcultura, con una estética claramente definida).

El rockabilly es la primera expresión del rock’n’roll: una forma musical que fue adquiriendo velocidad y furia, volviéndose más salvaje y juvenil, acorde con el carácter adolescente. Se considera a Bill Halley como el primer rockabilly. Pero el padre fue Carl Perkins con “Blue Suede Shoes” (1956), un tema que ya llevaba todas las características del género. Y, por supuesto, nada hubiera sido lo mismo sin Elvis Presley, el responsable de darle fama mundial al rockabilly.

La época dorada del rockabilly duró hasta 1959. Su ocaso está signado por las tragedias de sus astros. En 1959, precisamente, Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper murieron en un accidente aéreo. Un año después, en 1960, Eddie Cochran y Gene Vincent tuvieron un accidente automovilístico; Vincent sobrevivió (murió después en 1971), pero Cochran no. Perkins fue hospitalizado. Chuck Berry fue encarcelado. Little Richard se volvió loco. Y hasta el rey Elvis tuvo que hacer el servicio militar.

En los años 80, se produjo un revival del rockabilly, de la mano de grupos como Stray Cats, The Blue Cats, Dave Phillips and the Hot Rod Gang, Restless, The Polecats, The Kingbeats y The Blasters. Esta movida, a la que se denomina neo-rockabilly, recoge la influencia del punk rock de los 70. Así parece un nuevo subgénero: psychobilly, cuyos máximos exponentes fueron The Cramps y The Meteors.

Instrumentación: guitarra eléctrica, contrabajo y batería.
Orígenes culturales: década del 50 en Estados Unidos.
Fuentes: blues, rhythm and blues, hillbilly y country.
Subgéneros: surf rock, hot rod, psychobilly
Fusiones: garage rock, punk rock.]]>